• HET LICHT IN HET OEUVRE VAN LIONEL VAN DEN BOOGAERDE

     

    Tot 25 december 2006 laat de Guy Pieters Gallery zijn publiek kennismaken met het recente oeuvre van een jong Gents kunstenaar die na een lange zoektocht zijn weg gevonden heeft door de moeilijke gangen van het labyrinth eigen aan de kunstwereld, vandaag. Vernieuwing brengen is voor onze jonge hedendaagse kunstenaars altijd een uitdaging, maar via hommages aan de grootmeesters van de schilderkunst heeft deze spirituele en inventieve, jonge artiest zijn weg gevonden naar een hem eigen, subtiele compositie, kleurtoets, dito tonaliteit en de speelse gevoeligheid van het licht.

     

    Lionel van den Boogaerde, in 1967 te Gent geboren in een bijzonder kunstzinnige familie, heeft heel geduldig zijn carrière uitgebouwd door te rebelleren, te zoeken en te ondervinden. Zijn bewondering voor ikonen als Ensor, de Stael, Turner en Bacon, kan en hoeft hij niet te verbergen. Integendeel, ze hebben hem naar een hoger niveau getild. Hun invloeden zijn duidelijk aanwezig en hebben hem de weg gewezen. Stilaan ebt hun invloed inzake thematiek weg en betrekt hij zijn eigen omgeving en leefwereld in zijn oeuvre. Hij is een optimistisch en goedlachs man, schept plezier in het leven en weigert volwassen te worden.

    Taferelen uit het dagelijkse leven, de intimiteit van zijn gezin spreken hem aan, hij laadt als het ware die beelden in zijn fantasie en brengt ze met passie op doek of papier. 'Een schilder en etser met toekomst', wordt gefluisterd. 

     

    Lionel van den Boogaerde loopt school aan het Sint-Amandusintituut  te Gent waar hij, ondanks zijn speels en rebels karakter, de  12 jaren volmaakt.

     

    Op zijn dertiende ontmoet hij de landschapschilder Thierry D’Arc. Lionel vertoeft vaak in het atelier van de kunstenaar en leert er de basis van de schilderkunst.

    Als zijn moeder, Claudine Voortman, in 1987 overlijdt trekt Lionel definitief een lijn onder zijn briljante studies. Hij is nu twintig en gaat zich volledig aan de schilderkunst wijden

    De eerste opdrachten komen eraan. Lionel realiseert meerdere monumentale fresco’s voor restaurants en winkels in Luik, Brussel en Gent.

    Hij werkt vaak voor het Gentse theatergezelschap “De Flierefluiters” waar hij diverse decors realiseert, reist door Europa en verwezenlijkt 15 collages van groot formaat (Brussel, Madrid, Londen, Parijs...)

    In 1990 stelt hij voor het eerst tentoon in zijn atelier in de Drapstraat te Gent in samenwerking met zijn vriend, de fotograaf Guy Rabier, “La Coqueluche de L’Argentique”.

    Het jaar daarop werkt hij mee aan de realisatie van een langspeelfilm “De Lange Banaan” met de jonge cineast Nico De Maesschalk, laureaat van de “Grand Prix des Réalisateurs de Wallonie 1990”.

    Lionel verhuist in 1992 naar Catalonië waar hij een atelier opent in het hartje van Barcelona. Hij werkt er samen met de gerenommeerde Zwitserse architect Nicolas Reguisci en realiseert plafond- en muurschilderingen in belangrijke culturele en commerciële centra te Barcelona.

    In 1994 neemt hij succesvol deel aan de “Supermercado del Arte” te Madrid en te Barcelona en helpt zijn zus Zorabla bij het project van de “Fabrica”, een theater in de Pyreneeën.

    Ontmoet in 1995 Julie Lippens die twee jaar later zijn vrouw wordt. Eerste tentoonstelling in zijn Brusselse thuishaven en atelier aan de Klauwaertslaan.

    Lionel verlaat Barcelona en nestelt zich met zijn penselen in het kapelletje van de Spiraalbuisstraat in de Brusselse Flageywijk.

    Verschillende tentoonstellingen voor collectioneurs en galerijen te Knokke, Luik en Bergen volgen mekaar op.

    Lionel huwt Julie Lippens in 1997 te Knokke. Datzelfde jaar wordt dochter Zoë geboren.

    In 1998  brengt hij een eerste one man show, “De Noordzee”, in galerij Berko te Knokke, waar hij vaak gastexposant zal blijven. Lionel beëindigt “L’entréé du petit Jozies”, een eerste werk uit een lange reeks die ‘massa’s in beweging brengt’.

    Hij maakt kennis met de Duitse beeldhouwer en etser Christopher Hegemann die hem de graveerkunst en specifiek de drogenaaldtechnieken bijbrengt. Een kunstuiting die hem bijzonder goed ligt en waarin hij... het licht zal ontdekken.

    Lionel fuift uitbundig het millennium in en ontmoet Jean De Renesse. De eenvoudige geneugten des levens openbaren zich voor hem. Hij reist de wereld rond en maakt heel wat schetsen.

     

    In 2001 krijgt het gezin, na Zoé, een tweede meesterwerk, een zoon Yann. Het jaar daarop gaan ze terug naar Ibiza en Lionel wordt er bevriend met de Chileense schilder Andres Monreal. Tentoonstelling in de galerij “Es Moli” (Santa Gertrudis).

     

    In 2002 neemt Lionel Van de Boogaerde deel aan een collectieve tentoonstelling in het kader van de “Nocturnes du Sablon” te Brussel. De verkoop van een van zijn zelfportretten aan mecenas en kunstliefhebber Jacques Jungers zal later zijn carrière een beslissende wending geven.

    Lionel wordt in 2004 door de “Fondation  Mario Testino” uitverkoren om deel te nemen aan een tentoonstelling in Londen. Dan volgen twee tentoonstellingen in Ibiza (“Es Moli”, “Can Texeido”) en exposeert hij in de Galerie Paul Ide te Ohain

    In  2005 zet Lionel een stap terug, maar dankzij de steun van zijn vriend Kiki Jungers kan hij zich uiteindelijk volledig overgeven aan zijn grote passie, de essentie: zijn schilderkunst.

    Via Roger Nellens ontmoet hij Guy Pieters. Het klikt en Lionel heeft zijn eerste grote tentoonstelling. 

     

    Lionel van den Boogaerde, ‘recente werken’, Guy Pieters Gallery, Kustlaan 279, 8300 Knokke-Heist. Van donderdag tot en met maandag van 11 tot 18 uur.Tot 25 december

     

  • GOLDEN YEARS FOR ART COLLECTORS

     

    De la 'plume' d’André Rouillé, je viens de recevoir par un ami, critique d'art lui aussi, une superbe analyse du marché d’art 2006 et comme André est un connaisseur et un spécialiste dans la matière, je n’hésite pas de passer son regard clair aux amis :

     

    <Pour le marché de l’art, c’est le printemps en automne. Les records s’enchaînent. A peine une œuvre a-t-elle pulvérisé une cote qu’une autre atteint un nouveau sommet. En ce début de mois de novembre, la vente de tableaux impressionnistes et modernes organisée à New York chez Christie’s a rapporté près d’un demi-milliard de dollars en seulement deux heures, dont 88 millions pour un Klimt, 40 millions pour un Gauguin, 22 millions pour un Schiele, etc.
    Cette euphorie du marché s’explique, on le sait, par l’explosion des profits des grandes entreprises internationales et l’accroissement des dividendes reversés aux actionnaires. Mais cette conjoncture économique favorable se combine avec une période durant laquelle, après de longs litiges, de grands musées internationaux procèdent à la restitution de tableaux aux ayants droit de familles spoliées par les nazis. C’est cette conjonction entre une demande importante et une offre exceptionnelle qui met le marché en effervescence.


    Mais cette effervescence du marché ne coïncide pas nécessairement avec une vitalité équivalente de la création artistique, car le marché de l’art n’est pas l’art. Loin s’en faut. Le marché serait même l’envers de la création en ce qu’il prospère sur des valeurs sûres, déjà confirmées par l’histoire. Autant le marché a, par exemple, violemment boudé les Impressionnistes à leur époque d’intensité créatrice, autant leurs toiles tiennent la vedette de la cote aujourd’hui qu’elles sont vidées de leur pouvoir de perturber nos façons de figurer et de voir le monde.

    Aussi passionnés et artistiquement sensibles soient-ils à titre individuel, les gros enchérisseurs sont toujours des investisseurs, qui préfèrent les chemins balisés aux errements incertains de la création, qui ne s’engagent guère que pour des œuvres confirmées, en quelque sorte dévitalisées, dépourvues de leur potentiel transgressif. Des œuvres devenues choses : des marchandises.
    Il n’y a rien là d’étonnant. Le marché de l’art ne déroge pas à la logique générale des marchés qui est celle du profit, de la marchandise, de l’offre et de la demande.

    Le marché convertit en marchandises des œuvres devenues choses, des œuvres dont l’intensité signifiante et perturbante s’est estompée, dont la force créatrice a été assimilée, domptée.
    Car, contrairement aux croyances de (nombreux) historiens de l’art, les œuvres ne brillent pas éternellement avec une égale intensité dans le ciel de l’art. Comme les étoiles au firmament, leurs rayons s’estompent avec le temps. L’éclat symbolique et esthétique des œuvres, leur intensité créatrice jaillissante, se transforment, ce qui les emporte dans des destins allant de l’oubli à la sacralisation, du statut de presque-chose à celui de chef-d’œuvre.

    Un chef-d’œuvre est une œuvre dont le destin a été celui de la sacralisation par un système complexe et toujours singulier de mécanismes — institutionnels, critiques, médiatiques, commerciaux, ou encore historiques — combiné à un système tout aussi singulier de qualités propres à l’œuvre. Qualités suffisamment ouvertes pour faire se côtoyer au panthéon de l’art des toiles impressionnistes et des objets surréalistes avec des ready-made, des peintures comme celles d’Egon Schiele et Gustav Klimt, et, de plus en plus, des photographies anciennes et modernes.

    Le marché intervient dans l’après coup de la création en convertissant les valeurs esthétiques en valeurs symboliques monnayables. Les grandes enchères sont en effet souvent moins motivées par la valeur esthétique des œuvres que par la valeur symbolique qu’elles ont acquise, par les bénéfices qu’elles permettent d’escompter dans des logiques de spéculation, de pouvoir ou de marketing.

    Une différence de nature oppose donc, d’un côté, la création ressortissant au monde des processus (dont les œuvres sont des actualisations) ; et, de l’autre côté, le marché qui, lui, prospère dans l’univers concret, quantifiable et échangeable des marchandises.
    Le hiatus entre le marché et le caractère processuel de la création est apparu exemplairement avec le Land Art et l’art corporel qui produisaient des performances plutôt que des choses. Défi que le marché a relevé en proposant à la vente des photographies des actions éphémères ou lointaines. Le nouveau défi lancé au marché par la création sur internet n’a en revanche pas encore été relevé parce que les réseaux ne se laissent pas aisément convertir en choses…

    Les logiques différentes et même opposées de la création et du marché tendent à remettre en cause la pertinence des politiques libérales de la culture par la stimulation de la demande, en particulier sous la forme d’allégements fiscaux et d’incitation au mécénat.
    Cette politique, qui vise à encourager la création par le biais du marché, vient en effet buter contre la dure réalité d’une quasi-incompatibilité structurelle — le marché ignorant en France les quatre cinquièmes des artistes, et la plupart des œuvres non labellisées, intempestives, ou rétives aux lois du marché.

    Indépendamment de leur qualité, les productions artistiques doivent en effet, pour se vendre, respecter et incorporer — c’est-à-dire esthétiquement convertir — les lois du marché dont la principale consiste à toujours rester identifiables, avec le risque de sombrer dans la répétition, ou dans la contrainte des micro variations.
    Cette subordination de l’esthétique à l’économie s’accompagne, chez les artistes, de stratégies commerciales plus ou moins élaborées telles que la fidélisation d’une clientèle, l’affirmation d’une image de marque ou d’une signature, l’adaptation de la production à une demande (même latente) de la clientèle potentielle, etc.

    Quant à l’économie publique de soutien à la production par un système d’aides, de bourses, de résidences, etc., elle n’exige pas moins de stratégies de la part des artistes qui doivent fidéliser un public d’administrateurs, tisser et entretenir des réseaux, et affronter les fluctuations politiques, voire l’autisme culturel des élus.
    D’un côté, la subordination à l’économie sous le régime du marché; d’un autre côté, la subordination à politique et aux institutions....>